Blue Moon : Música e Solidão não foi lançado nos cinemas, apesar de ter um visual altamente cinematográfico. Foi direto para as plataformas digitais para aluguel e compra. Confesso que isso me surpreendeu num primeiro momento. Afinal, o filme é dirigido por Richard Linklater, e estrelado por Ethan Hawke, que esteve presente em todas as listas da Temporada de Premiações, inclusive o Oscar. Mas após assistir ao filme, entendi. Blue Moon não é um filme fácil, mas tem uma interpretação incrível de Ethan Hawke. E a história, que se passa no mundo da Broadway nos anos 40,  tem um apelo especial para mim, que adoro essa época. Não é fácil, mas eu achei fascinante.

O filme se passa na noite do dia 31 de Março de 1943, na abertura do musical que se tornará um sucesso, o inovador Oklahoma!. A peça é a primeira escrita pela dupla Richard Rodgers e Oscar Hammerstein II e se tornará um sucesso de crítica e público. Quem não está nada feliz com isso é o lendário letrista Lorenz Hart, ex-parceiro de Rodgers (Ethan Hawke). Ele foge do teatro, e acaba amargurado no bar Sardi’s onde acontecerá a festa de celebração. Ao lado de um simpático barman (Bobby Cannavalle), que empresta seu ouvido e seus conselhos, Hartz fala sobre o novo sucesso do ex-parceiro (Andrew Scott), e sobre sua nova paixão por uma estudante (Margaret Qualley). Blue Moon acompanha a depressão e os problemas com alcoolismo de Hartz enquanto explora os bastidores do showbiz.

O que achei?

Diz a lenda que Richard Linklater ( de Boyhood) teria mostrado o roteiro para Ethan Hawke há uns 10 anos. Mas que decidiu esperar o ator ficar mais velho para poder fazer o personagem de Hart sem maquiagem para envelhecer. Esses dois tem uma grande história juntos, especialmente a trilogia de Antes do Amanhecer. Blue Moon tem uma proposta diferente.  Aposta nas cores fortes, num formato de teatro filmado. E claro, na história trágica de um grande talento. Além da música que dá nome ao filme, Lorenz Hart  também escreveu outros clássicos da música popular norte-americana, como Isn’t It Romantic, My Funny Valentine, My Romance, The Lady is a Tramp, entre outros. Ou seja, era um enorme talento.

Mas como muitos desses gênios, tinha seus próprios demônios, e o filme se concentra nisso. Especialmente nas conversas com o barman. Graças à atuação brilhante de Ethan Hawke, que uniu aspectos físicos e estilo para compor Hart. Repare como ele está baixo – Linklater o colocou num andar  abaixo do resto do elenco, para termos essa percepção que era menor que os outros. Me lembrou um corvo. E principalmente a maneira de falar, como se fosse uma metralhadora. Incomoda a todos que estão na história e também a quem está assistindo. Impossível não perceber que ele mesmo reconhece a sua decadência.

As referências

E, claro há um monte de referências. Para quem conhece música e cinema, é uma festa. Repare no rapaz chamado George Hill, que recebe o conselho de Hart para fazer filmes sobre amizade. Uma clara referência ao diretor George Roy Hill e seu filme Butch Cassidy. Ou ainda quando ele conta a história do rato para E. B. White, que mais tarde escreveria Stuart Little. E claro, o garoto Stevie, que ama teatro, que provavelmente viria a se tornar o autor de musicais Stephen Sondheim.  Mas há mais…

E, no final…

Ou seja, tudo isso dá um grande charme ao filme. Mas Blue Moon começa com a morte de Hart, e sabemos que apenas alguns meses depois ele irá sucumbir aos seus demônios. E ver essa decadência sem volta é sempre triste e difícil.

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Desde sua estreia (quando eu estava viajando),  continuam os elogios para a minissérie Ripley, da Netflix. Ela é baseado num livro, que já teve duas adaptações muito famosas anteriormente para o cinema. São elas O Sol por Testemunha, com Alain Delon, e O Talentoso Ripley, com Matt Damon, este último também disponível na Netflix. Vi as duas versões (e gosto), mas não consegui tempo ainda para ver a minissérie, estrelada por Andrew Scott, de Todos Nós Desconhecidos. Mas, meu amigo José Augusto Paulo assistiu, e adorou. Veja aqui a crítica dele:

Ripley

Embora não tendo a melhor impressão sobre a pessoa que ela era, sempre gostei dos livros de Patricia Highsmith. Um deles, O Talentoso Mr. Ripley já foi adaptado para o cinema em duas versões conhecidas. Ainda assim Steven Zaillian – roteirista de A Lista de Schindler e O Irlandês, e diretor de A Grande Ilusão – nos presenteia  uma série para a TV refinada, elegante, visualmente impressionante. Também nos dá um Thomas Ripley diferente, mais humano (nos seus erros também), menos ambicioso, que cresce aos poucos como personagem. O resultado me manteve fiel a cada cena, até o minuto final, e querer que não terminasse.

A história já é conhecida. Tom Ripley (Andrew Scott) é um nova-iorquino que vive de pequenas fraudes e trapaças, sem maiores sucessos. Um dia, ele recebe um convite para se encontrar com Herbert Greenleaf (Kenneth Lonergan), dono de um estaleiro. Este lhe pede que vá a Itália para trazer de volta o seu filho, Richard ‘Dickie’ (Johnny Flynn), que ele acredita ser amigo de Ripley (uma possível confusão de nomes, pois nenhum dos amigos de Richard conhece Tom). Richard está há alguns anos na Europa. Lá ele vive dos rendimentos de um fundo que herdou. Tenta ser pintor e não vê razão para voltar para os EUA. Vive em Atrani aonde tem um relacionamento com outra norte-americana, Marge Sherwood, que tenta ser escritora. Tom, que nunca havia ido ao exterior e tem pouco conhecimentos de arte e história, se encanta com a Itália.

Logo ele percebe que Richard não irá voltar para os EUA e sente que pode ficar em Atrani, desenvolvendo uma amizade. Mas, lembremos, Tom por anos vive de tirar proveito do alheio e, portanto, vê essa situação como uma oportunidade única. Logo Marge, e mesmo Richard, começam a desconfiar das intenções de Tom. Isso levara a medidas drásticas, e um jogo de gato e rato com a polícia italiana e, particularmente o Inspetor Pietro Ravini (Maurizio Lombardi).

A crítica

As imagens, embora em branco e preto, são de uma qualidade que por vezes parece que vemos cores, com imagens muito bem definidas. É detalhista também. A câmera busca objetos, detalhes na decoração, nas pinturas, em toda a parte. Isso adiciona toda uma atmosfera aonde as ações acontecem. Há breves reconstruções históricas muito bem feitas, ajudadas por aquela constante lembrança da história que sãos os edifícios e ruas da Itália. Tudo é bem conectado com a trama. Isso sem contar o suspense que cria certos objetos e marcas de sangue em primeiro plano com a polícia ao fundo… fica-se com o coração na mão.

As atuações são de boas para excelentes. A trilha sonora, deliciosa, da época. E tem estrelas que o elenco não menciona: Atrani, Palermo, Roma e Veneza – todas belas, redescobertas em ângulos lindíssimos, raros, elegantes. E tudo leva a que acabemos, estranha e perversamente, por torcer para que Tom escape. Mesmo que testemunhemos seus crimes, pois parecemos entender que ele ‘melhorou de vida’. Uma das mágicas de Zaillian.

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Quando foi lançado nos cinemas americanos, muita gente falava que Todos Nós Desconhecidos poderia estar bem presente na Temporada de Premiações. Não foi o caso. De qualquer maneira, justamente na semana do Oscar, ele estreia nos cinemas aqui no Brasil. Meu amigo José Augusto Paulo já viu o filme, que estreou antes na Europa. E já colocou na lista dele de melhores do ano. Veja a crítica aqui:

Todos Nós Desconhecidos – Crítica 

Ainda estamos no início do ano, mas Todos Nós Desconhecidos já é um dos meus filmes favoritos de 2024 (foi lançado em dezembro 2023 por aqui). Não por ser um filme jovial, ou que distrai do nosso dia-a-dia com fantasias de dias melhores, grandes doses de humor ou imagens que nos encantam. Não este filme!

Ele vai fundo, remexe nossas emoções, e quase no final nos dá aquela ducha de água fria, o também chamado “soco no estômago”. E mesmo assim não recomendaria evitá-lo. Ao contrário, assista-o mais de uma vez. Sim, isso mesmo, pois, como certos filmes que assistimos, está cheio de dicas do que irá ocorrer. Aqueles detalhes que parecem supérfluos, e que, quando o filme termina, queremos voltar atrás e ter certeza de que o entendemos plenamente. Mas não precisa se preocupar, o Youtube já tem muitos vídeos explicando o final e analisando o filme. Não que sejam necessários, mas mostram a força que a história teve e tem nos que assistem ao filme.

Também ajudou muito a entender pelo fato que eu conheço a área onde as filmagens ocorreram, entre o campo de golfe de Purley Downs e Sanderstead Pond. Um pedaço de subúrbio como muitos no Reino Unido, mas também o lugar da casa onde o diretor do filme cresceu. Fiquei a imaginar Andrew Haigh (conhecido pela série e filme Looking) novamente na casa e desta vez para contar uma história próxima da sua. Somente este detalhe já dá ao filme um outro valor.

A história

O roteiro (baseado no livro Estranhos, de Taichi Yamada) se centra em Adam (Andrew Scott, de Fleabag), um solitário escritor de roteiros que decide escrever sobre seus pais, falecidos há mais de 30 anos, quando ele ainda era criança. Como parte do projeto, decide visitar a área aonde viviam e lá vê um homem no parque que lhe parece familiar. Ao segui-lo, se dá conta de que é seu pai (Jamie Bell), exatamente como ele era na época do acidente que o vitimou. Este o convida a ir para sua casa. Lá Adam encontra a mãe (Claire Foy) no que seria o primeiro de alguns encontros que ele volta a ter.

Andrew mora em um edifício novo, alto, com uma bela vista de Londres desde o Norte, e que parece só ter um outro morador, Harry (Paul Mescal, de Aftersun). Este um dia bate à sua porta, com uma garrafa de whisky japonês. Sentimos no ato que Harry está em busca de companhia, que se sente sozinho e incomodado com o silêncio do prédio quase vazio, etc. Uma das cenas mais importantes do filme. Acho que isto é tudo que eu posso revelar do filme sem o perigo de spoilers. 

Analisando o filme…

Não há como negar: é um filme sobre solidão. É também sobre lidar com perdas, sobre a dor que guardamos quando não pudemos dizer certas coisas a alguém. É um filme sobre relacionamentos com os pais, o que falamos e o que evitamos dizer a eles. Também é sobre a ‘crueldade acidental das famílias’ como é dito em certo momento. Há situações que nos fazem rir ou ao menos sorrir. E há muito dos anos 80 nos encontros de Adam com os pais, para os mais nostálgicos.

Há ainda uma cena na banheira que vem sendo muito comentada, quase tanto quanto a cena de Saltburn, mas com um viés diferente. De qualquer forma, a atuação dos quatro personagens principais é excelente, cativante, marcante. O filme é em boa parte escuro. Tem closes que parecem querer dar detalhes microscópicos das faces dos atores, mas funciona bem assim. E é também como que uma epifania, um processo de liberação para Adam. Apesar de tudo, me fez sentir no final que agora Adam pode amar de novo.

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Você deve lembrar que há alguns meses todo mundo estava falando sobre o caso de Lily James e Dominic West. os dois forma vistos aos beijos andando por Roma. E aparentemente a esposa dele não sabia. Confusões matrimoniais à parte, os dois se aproximaram quando fizeram o papel de pai e filha na minissérie The Pursuit of Love (A Busca pelo Amor. São três episódios de aproximadamente uma hora, que estão disponíveis na HBO Max. É a estreia como diretora da atriz Emily Mortimer, que também faz uma participação como a Bolter.

A história é baseada num best-seller de sucesso na Inglaterra, de autoria de Nancy Mitford. Ela conta a história de duas primas entre os períodos da duas guerras mundiais. Uma é a linda, carismática e aventureira Linda Radlett (Lily James). A outra é Fanny Logan (Emily Beecham, da série Into the Badlands), tímida e metódica, e também narradora da história. A série acompanha a amizade das duas enquanto buscam diversão, um marido ideal –  e claro, o amor.

 O que achei de The Pursuit of Love?

Além da direção, Emily Mortimer também é responsável pelo roteiro. Como diretora, é um excelente começo. Ela brinca com seus personagens, faz um mix de cenas documentais com a ficção. Também coloca legendas normalmente divertidas para identificar novos personagens. O tom que ela imprime aos atores e à história pode parecer um tanto estranho. Parece um espetáculo teatral, com um tom de farsa. E isso inclui até o figurino. Mas passado um estranhamento inicial, a minissérie tem vários atrativos.

Com suas duas protagonistas, The Pursuit of Love mostra as dificuldades das mulheres na época. Especialmente, as ditas de espírito livre , como é o caso de Linda. O problema é que mesmo fascinante, o personagem de Linda é também cansativo, e por vezes enervante. E aqui não é uma crítica à atuação de Lily James. Ela está ótima como sempre! Mas sim à construção do personagem. Emily Beecham, que nunca me chamou a atenção antes, também se sai muito bem.

Há também outros destaques como Dominic West, que consegue embutir humor num personagem que seria facilmente um vilão. E também Andrew Scott, como o vizinho Lord Merlin, um pansexual, amigo das artes, e também fascinado por Linda. No final, a minissérie funciona, com alguns altos e baixos, que não afetam o resultado positivo. Foi uma boa jornada!

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Sou fascinada por histórias que se passam na Irlanda. Já cheguei a ler vários livros sobre o assunto, e muitos filmes também. Por isso, fiquei entusiasmada para conhecer o filme Handsome Devil, após ler a crítica de meu amigo José Augusto Paulo. Valeu a dica, está disponível na Netflix.

Handsome Devil

Eu sempre gostei de peças irlandesas. Por vezes, as assisto sem saber muito sobre a história, simplesmente porque é irlandesa. Não que sejam sempre sobre o mesmo tema, mas porque eu sei que , seja qual for o tema, vai incluir humor (geralmente seco, sarcástico, auto-depreciativo), encrencas (envolvendo um ou até todos os membros do elenco) e sentimentos intensos (os irlandeses não fazem nada a meia medida: ou tudo, ou nada). E assim foi nesse Handsome Devil, filme surpreendente de 2017, que, como nas peças, nos faz pensar.

Dois colegas de quarto do último ano de um colégio interno só para meninos, Ned (Fionn O’Shea, de Normal People – um rosto marcante e interpretação idem) e Conor ( Nicholas Galitzine –  The Craft – que é o handsome devil do titulo ) acabam se tornando amigos. Um é um pária social, enquanto que o outro é um jogador de rúgbi famoso no círculo escolar. Com um novo professor de inglês (o sempre bom Andrew Scott – Fleabag e Modern Love) desafiando os alunos a encontrar suas próprias vozes, a amizade dos meninos é testada pelas expectativas obcecadas por rúgbi dos outros. Tudo enquanto tentam atravessar o campo minado da sexualidade, em um ambiente pouco liberal, em uma mistura de música e esportes.

A crítica

Enfim, uma fórmula de misturar opostos que dá certo. Sim, tem ecos de Sociedade dos Poetas Mortos, mas também tem muitas diferenças. E apesar do titulo e de conter temas LGBT, não é um romance gay, mas trata dos temas de forma adulta, clara, objetiva.

Um roteiro inteligente e humano, bem interpretado. Tem uma fotografia um pouco escura que vai bem com os momentos opressivos da trama e uma direção que nos entrega uma história no qual separar atração de amizade parecer ser o principal guia. Uma produção interessante (muito uso de madeira, ambientes com luz limitada, o clima pouco ensolarado da ilha esmeralda) com cenas filmadas em Castleknock College, uma verdadeira escola de rugby na Irlanda, que nutre ideias e inspira.

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Modern Love já foi lançada há algum tempo na Amazon Prime Vídeo. Mas, foi mais uma daquelas que acabaram ficando para trás na lista de filmes e séries que pretendo ver no streaming. Assisti somente agora os 8 episódios  de meia hora em duas “sentadas”. Cada um deles conta uma história diferente baseada nas histórias da coluna do New York Times chamada Modern Love . Nela, escritores convidados escrevem sobre um conto pessoal de amor em seus mais diversos estilos, formatos, idades. Também é conhecido o seu formato podcast onde atores famosos leem as colunas. Todas as histórias se passam em Nova York. A série tem um elenco ótimo. Entretanto as histórias vão das deliciosas, passando pelas emocionantes, até uma intensamente chata! Já foi renovada para uma segunda temporada.

Então, para você que pretende assistir, aqui vão as minhas críticas de cada um dos episódios – do melhor para o pior.

Episódio 2 – Quando o Cupido é uma Jornalista Curiosa

Tudo começa com uma jornalista (Catherine Keener) entrevistando um jovem (Dev Patel, indicado ao Emmy) que lançou um app de relacionamento. No meio da conversa, ele conta a ela sua história de amor que não deu certo. Em contrapartida, a jornalista também revela a ele a sua, que tem Andy Garcia no meio. Tempos depois, aqueles que foram perdidos no meio do caminho reaparecem. O episódio é uma delícia de ver, com uma análise do que poderia ter sido, reencontros e futuro. É o mais romântico de todos.

Episódio 1 – Quando o Porteiro é o Homem de sua Vida

É o mais fofo, e fala de um amor muito diferente. Uma jovem (Christin Miliotti, de Palm Springs), que mora sozinha num prédio chique . Ela sempre que leva um novo namorado para casa , que acaba passando pela análise do porteiro ( o ótimo Laurentiu Possa, visto recentemente em Killing Eve). O problema é que ele sempre acerta que os caras não são certos para ela. Essa é a história mais adorável e provavelmente o amor mais inesperado de todos. Talvez por isso seja tão interessante

Episódio 8 – A Corrida fica mais Gostosa na Volta Final

Que maravilha ver a sempre fantástica Jane Alexander estrelando esse episódio sobre o amor na velhice. Durante uma corrida da terceira idade, ela conhece um outro senhor (James Salto), e começam um relacionamento delicioso. A boa surpresa é que a sequência linda no final.

Episódio 3 – Me Aceita como Eu Sou, Quem Quer que Eu Seja

Outro grande momento de Anne Hathaway. Ela é uma advogada que a princípio parece uma mulher divertida e liberal que conhece um cara interessante no supermercado. O episódio tem até um número musical delicioso no estacionamento que , intencionalmente, lembra La La Land. Mas ela mantém em segredo um problema. Adorei a participação especial de Judd Hirsch.

Episodio 7 – Um Mundo Só para Ela

Um casal gay ( Andrew Scott, de Fleabag, e Brandon Kyle Goodman) resolve adotar uma criança que ainda está na barriga da mãe. Ela (Olivia Cooke, de Bates Motel) é uma sem teto que não quer ter vínculos. E no período pré parto os três passam a morar juntos, e aprendem uns com os outros. A surpresa da vez é a participação divertida de Ed Sheeran, como um outro sem teto.

Episódio 6 – Então ele Parecia um Pai, e era só um Jantar, Não é?

Julia Garner, que já ganhou um Emmy por Ozark, faz uma jovem que vê em um executivo (Shea Whigham) da empresa onde trabalha uma figura paterna. Os dois começam um envolvimento estranhíssimo, que, pelo menos pra mim, fez esse episódio ser super desconfortável. A direção é da atriz de Shameless, Emmy Rossum.

Episódio 5 – No Hospital, um Interlúdio de Clareza

Um casal em seu segundo encontro sofre um acidente e acabam passando a noite no hospital onde se conhecem melhor. Sofia Boutella e John Gallagher Jr. (de The Newsroom) são muito bons, mas é incrível como não tem a menor química. É difícil acreditar nesse casal, e portanto muito complicado embarcar na história.

Episódio 4 – Renovando para Manter o Jogo Vivo

O episódio é tão chato que quase chega ao insuportável. Tina Fey e John Slattery são um casal que está junto há muito tempo e praticamente não se suporta. Mas as coisas mudam quando começam a jogar tênis. A autora da coluna no qual o episódio é baseado é a escritora Ann Leary, que vem a ser esposa do ator Dennis Leary. E o personagem principal se chama Dennis e é ator…

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Estamos na época de ver os grandes favoritos ao Oscar 2020 (que acontece no próximo dia 9). Só que, ao contrário de anos anteriores, quando havia um franco favorito, ou pelo menos dois, agora tudo pode acontecer na corrida pelo prêmio de melhor filme. Alguns falam de Parasita, que ganhou o prêmio de melhor elenco no SAG’s no último domingo. Outros de Era uma Vez em Hollywood, que levou o Globo de Ouro de comédia/musical. E ainda há aqueles que apostam em 1917, que além do Globo de Ouro de filme de drama, arrebatou o prêmio do Sindicato dos Produtores. Esse fato geralmente significa meio caminho andado para o Oscar de melhor filme. Será que vai ganhar? Bom, você pode formar a sua opinião a partir dessa quinta quando o filme começa a ser exibidos nos cinemas por aqui.

A história se passa durante a Primeira Guerra Mundial. Dois jovens soldados britânicos recebem ordens aparentemente impossíveis de cumprir. Em uma corrida contra o tempo, eles precisam atravessar o território inimigo e entregar uma mensagem que pode salvar 1600 de seus companheiros, inclusive o irmão de um deles.

A história pode ser comum – você  provavelmente já viu várias vezes em diferentes guerras.  Na minha cabeça vem a imagem de Galipolli, de Peter Weir. A diferença aqui é o formato. O diretor Sam Mendes dirige tudo como se fosse um grande plano sequência, com os cortes bem escondidos. É um primor de trabalho. Lembra um pouco Festim Diabólico de Hitchcock. Com isso, e com as incríveis imagens, trilha sonora de primeira, o roteiro comum acaba ficando em segundo plano. Aliás, é o primeiro crédito oficial de roteiro de Sam Mendes, que diz que baseou tudo em memória de seu avô, a quem o filme é dedicado.

O elenco

O início é brilhante. Um momento tranquilo, que vai acabar em um segundo, quando os dois soldados recebem sua nova missão. E aqui vai o destaque para os trabalhos dos semi-desconhecidos, George McKay e Dean Charles Chapman (em papel que quase foi de Tom Holland). Eu digo semi-desconhecidos pois você já os viu antes e provavelmente não se lembra. George é o filho mais velho do Capitão Fantástico, enquanto Dean é o fillho mais novo de Cersei e Jaime em Game of Thrones (sim, o que se joga da janela). Ambos estão ótimos.

E além deles, têm várias participações mega especiais, todos com uma única cena. Colin Firth, Benedict Cumberbatch, Richard Madden, Andrew Scott, Mark Strong. Todos têm os seus momentos. E fazem de 1917 uma festa cinematográfica extremamente rica. Aliás, #ficaadica, têm que ver numa tela bem grande, com um som maravilhoso. O filme merece isso.

E para o Oscar?

Será 1917 que vai ganhar suas 10 indicações? Filme, Direção, Roteiro, Fotografia, Cabelo e Maquiagem, Design de Produção, Trilha Sonora, Efeitos Visuais, Mixagem de Som, e Edição de Som. Pouco provável. mas que deverá sair da festa com pelo menos uns três Oscars, ah, isso é bem possível.

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Sam Mendes já havia se aventurado em dirigir um filme de guerra: Soldado Anônimo, de 2005. Mas 1917, que está programado para estrear aqui em fevereiro, parece ser aquele com pretensões grandes para a Temporada de Premiações. Primeiro porque ele se passa em tempo real, é um one-shot movie, ou seja, parece que foi feito em um único take do início ao fim. O que quer dizer muito mais difícil de dirigir. Além disso, o filme  vai estrear nos Estados Unidos em 25 de dezembro, “data de Oscar”, como é conhecida. Em vários momentos, o trailer recém-lançado durante a ComicCon de Nova York, me lembrou uma outra super-produção de guerra, Dunkirk. Ou seja, será que ele vai ganhar uma indicação para Oscar/ Globo de Ouro/ Critics Choice? Veja o trailer:

O drama traz uma corrida contra o tempo na vida de dois soldados britânicos, que estão prestes a entrar em território inimigo. Esse foi um dos momentos mais cruciais e marcantes da Primeira Guerra Mundial. Está nas mãos de George MacKay (o filho mais velho do Capitão Fantástico) e Dean-Charles Chapmann (o Tommen Baratheon de  Game of Thrones) entregar uma mensagem que cessará o ataque brutal a milhares de pessoas.

Os dois são os atores principais, mas o filme está recheado de participações de gente muito importante. Olha só: Mark Strong, Andrew Scott, Richard Madden, Claire Duburcq, Colin Firth e Benedict Cumberbatch  só para citar alguns. É também o primeiro crédito de roteirista de Sam Mendes. Para quem não se lembra, ele já ganhou um Oscar de direção, com Beleza Americana há quase 20 anos. Seus dois últimos créditos como diretor foram com filmes de James Bond: 007 contra Spectre e 007 – Operação Skyfall.

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Existem algumas história reais que parecem muito mais absurdas do que qualquer uma que saia da cabeça de um roteirista. Pensei nisso enquanto assistia Negação, que estreou nos cinemas esta semana. Vale muito conhecer! Conta a história de uma professora e historiadora americana, que detona em um de seus livros um dito historiador, que tenta desacreditar a ideia que o Holocausto ocorreu durante a Segunda Guerra Mundial. Isso mesmo, mais de 70 anos depois, esse “especialista” inglês alega que essa foi uma história inventada pelos judeus. Na verdade, é uma bela alegoria sobre essas pessoas que descobrem uma brecha na imprensa para contar suas histórias de modo a se promover às custas da verdade. Tantos políticos de diferentes nacionalidades já usaram essa estratégia não é mesmo?

Aqui no caso, a historiadora é Deborah Lipstad, feita com a competência de sempre pela linda Rachel Weisz. Ela é processada numa corte inglesa por chamá-lo de mentiroso (entre outras coisas) pelo escritor David Irving (o também ótimo Timothy Spall). E nas cortes inglesas, ao contrário da maioria, você é considerado culpado até que prove sua inocência. Então Deborah  tem que contratar defensores ingleses (entre eles Tom Wilkinson e Andrew Scott), que tem atitudes muito diferentes no tribunal do que ela poderia esperar.

A história segue caminhos realmente chocantes e inesperados. Como alguém pode mentir e “brincar” com um assunto como esse? As cenas mostradas em Auschwitz nos dias de hoje foram realmente filmadas no local. Se você gosta de filmes de tribunal, prepare-se para boas cenas. Se gosta de história reais, terá aqui um prato cheio. Se deseja ver grandes atuações, vai adorar Negação. Mas, mais importante, se é um estudioso ou mesmo apenas um admirador da história do mundo, prepare-se para ficar bem chocado!

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